Como consumidor convencido de cine en 3D, no dejo de asombrarme de la proliferación de “camellos” que tratan de vendernos duros a cuatro pesetas, como diríamos. Pero claro hoy en día uno no puede pretender ser “cool” en Hollywood y estrenar una superproducción a la vieja usanza, como va a hacer Ridley Scott con su versión de “Robin Hood”, que parece una mezcla de “Gladiator” y “Braveheart” -que tampoco es mala mezcla, por cierto-.

“Robin Hood” no será “cool” pero sí honesta con el espectador. Se pensó para 2D, se hizo en 2D y se distribuirá en 2D. Bien por Universal. Lo que me tiene más escamado es “Alice in Wonderland” y, sobre todo, la esperada “Clash of the Titans”, dos abanderados del 3D de laboratorio. Recuerdo la defensa que hizo Tim Burton de la conversión del 2D a 3D en la presentación de su película a la prensa en EE.UU., sin complejos aseguró que al final da igual, que no hace falta trabajarse las películas en 3D para conseguir el impacto estereoscópico a posteriori. Se mete el filme en la maquinita de hacer churros en 3D y aquí paz y después gloria. Suerte la suya que la producción funcionó en taquilla. Suerte para él y desgraciados los demás.

Los mediocres 3D de “Alice”, que para más narices tuvo el oportunismo de poner el pie en cartelera cuando aún teníamos restos en sangre de la alucinante sobredosis visual de “Avatar”, han resultado rentables, muy rentables: casi 600 millones de dólares en venta de entradas de los que un tercio provienen de salas 3D. Un mensaje que ha llegado alto y claro a los ejecutivos de los estudios que saliban solo de pensar en la caja que haría su película si tuviera el extra del 3D, como si fuera ponerle doble de queso a una pizza.

Y en medio de este frenesí estereoscópico aparece en nuestra órbita lanzado como un “sputnik” la propuesta grandilocuente de Warner “Clash of the Titans”, que iba para 2D y a última hora ha mutado para pasar el cepillo en las salas de 3D. Aún no se ha estrenado pero se masca en el ambiente que su impacto visual será de segunda división comparado con el discurrido por James Cameron para su “Avatar”.

El asunto es que rodar en 3D tiene sus inconvenientes, no solo de coste -añade una media de 20 millones de dólares más al presupuesto-, sino de logística. Los equipos pueden resultar unos trastos para según qué tipo de secuencias, eso llevó a Michael Bay a desestimar grabar en 3D su (oh, no, otra vez no) tercera parte de “Transformers”. Aficionado como es Bay a dejar estupefacto al espectador con escenas impactantes, decidió renunciar al estereoscópico porque le impedía realizar lo que tenía en mente. Ahora su dilema es si pasa “Transformers 3″ por el filtro de las gafas polarizadas o lo lanza a la galaxia cinéfila tal y como está. Al menos Bay ha reconocido que no lo hará si la conversión no le garantiza un resultado perfecto. Yo lo dudo. Amigos, “Avatar” dejó el listón muy alto como para superarlo tratando las películas con una especie  de “fotochop”. La conversión 2D-3D cuesta entre 5 y 10 millones de dólares.

Como apunte diré que para Bay la conversión resulta “fake”, vamos, que no es creíble.

Con razón anda el altivo Cameron (alias “soy el rey del mundo”) hecho una furia cada vez que le hablan de los tratamientos estéticos de 2D a 3D. Le costó años realizar “Avatar” y fue junto al jefe supremo de DreamWorks, Jeffrey Katzenberg, y algún visionario más como Peter Jackson, el que parió la maquinaria de 3D con la que ahora todo el mundo quiere jugar.

“Después de ‘Toy Story’ hubo 10 películas realmente malas producidas con la misma tecnología (CG) porque todo el mundo pensó que el éxito del filme fue el CG. Ahora, la gente está convirtiendo rápidamente películas de 2D a 3D, que no es lo que yo he hecho. Están esperando el mismo resultado cuando, en realidad, trabajan en contra de la adopción del 3D porque están sacando productos de inferior calidad”, dijo Cameron en una entrevista Deadline, blog de referencia sobre la industria de Hollywood.

Cameron insiste en que son los estudios, y no los directores, los que están imponiendo a marchas forzadas el 3D en vista de que sale muy a cuenta en taquilla, sin importar la conveniencia o no de que esa producción se haga estereoscópica.

No todo “huele” a timo. También hay ejemplos de calidad en las carteleras. El último, “How to Train Your Dragon”, cuyas escenas finales y de vuelo en 3D son de quitarse el sombrero. Es de esperar que la próxima de Shrek (también de DreamWorks) mantenga el mismo nivel 3D.

Personalmente me convencen mucho menos los avances de Disney en este terreno. “Up” era innecesariamente en 3D y “A Christmas Carol” de Robert Zemeckis, fue resultona, pero quedó empequeñecida por el resultado conseguido por Cameron, por citar unos ejemplos.

Veremos qué tal se portan títulos como “Toy Story 3″ o el debut en 3D de “Harry Potter”, ambos previstos para este año.

Es cuestión de tiempo que la audiencia, que paga bastante más por enfundarse las gafas de plástico en el cine, empiece a menospreciar la conversión del 2D al 3D y se hable del “3D bueno y del 3D malo”, igual que con el colesterol.

Este año me tocó la alfombra roja, que tiene más gracia que estar en la sala de prensa, aunque carece de su servicio de “catering”. No te dan ni agua durante las aproximadamente tres horas y media que uno está esperando a que pase por delante de sus narices lo más granado de la gran pantalla para robarle una última impresión y, como no, averiguar el nombre del modisto que pergeñó el modelito de turno de las guapas del celuloide. Los hombres tendrían que pasearse en ropa interior para que alguien prestara atención a su atuendo, lo que no deja de ser una ventaja. Tiene que ser un suplicio pensar que la prensa te va a machacar al día siguiente por ponerte lo que no debías.

Más allá de actores, actrices, directores, etc., me resultó curioso ver al fundador de Apple, Steve Jobs, recorriendo la alfombra roja como el que más, o incluso a algún político español que estaba un tanto fuera de sitio en la mayor fiesta del cine, sobre todo cuando las invitaciones a los Óscar escasean como agua en el desierto y muchos de quienes trabajaron para realizar las películas candidatas a los premios se quedan fuera del evento por falta de sitio. Allá cada cual con sus razones y con su conciencia. Seguramente habría más nombres ajenos a la industria “infiltrados” entre los centenares de asistentes, pero no me quedé con sus caras.

Hasta la bandera

A pesar de lo que puede parecer por televisión, la alfombra roja de los Óscar es un jaleo. Parece la calle Preciados de Madrid en la víspera de Navidad. Hay hasta atascos. Empleados de la Academia de Hollywood se encargan de regular el tráfico de transeúntes para que la gente vaya entrando al teatro y la gala arranque a la hora. De hecho, la alfombra (una moqueta roja) está dividida en dos calles, por un lado pasan quienes hacen declaraciones a la prensa (normalmente los nominados) y por otro el resto, los invitados anónimos o las estrellas que quieren pasar desapercibidas. Eso fue lo que hizo este año Ethan Coen, por ejemplo. Otra cosa curiosa es la existencia de figurantes sobre la alfombra. Sí, resulta que la televisión, para asegurarse de que hay gente en sus tomas, hace desfilar falsos invitados por delante del Kodak. Hollywood es así.

Allí todo el mundo grita, parece un mercadillo. No sólo todo el mundo grita, es que también tienen instalada megafonía por la que se escucha a reporteros recibiendo a los que acaban de poner el pie en al alfombra. Al final hasta yo acabé pegando voces. Me recuerda a las imágenes de Wall Street cuando todos los “brokers” se agolpan y dan alaridos para comprar y vender activos. Todo sea por conseguir llamar la atención de las celebridades y sacar adelante el trabajo en esa subasta de famosos. Una locura. Todo empieza ordenadito, cada uno en su lugar, y aquéllo termina como el rosario de la aurora, al menos del lado de la prensa, del otro, la cosa fluye algo mejor.

19 detenidos

La policía corta las calles de acceso al teatro Kodak desde días antes. El mismo día de la ceremonia se instalan barricadas en aceras y pavimento. Los agentes están armados para una guerra, con fusiles de asalto y otros “juguetes” que guardan en el maletero de sus vehículos, todo en previsión de lo peor, un ataque terrorista. No obstante, este año se demostró que colarse en los Óscar no es complicado. En total se produjeron 19 detenciones de personas que antes, durante o después de la gala se introdujeron en la zona sin llevar las acreditaciones necesarias. De hecho, nueve jóvenes de unos veinte años se colaron hasta la alfombra roja con una falsa identificación de MTV. No les cazaron hasta que fue descarao que no eran de la prensa ni asistentes. Se pusieron a sacar fotos como posesos. Que les quiten lo bailao.

Bares, fiestas y ruedas de prensa

Terminado el evento tocó asistir a la rueda de prensa del equipo de “El secreto de sus ojos”, ganadores del Óscar a Mejor película extranjera. A diferencia de lo que pasó con Penélope Cruz el año pasado, cuyo encuentro con los medios se demoró poco más de una hora desde que concluyó la gala, la gente del filme argentino (por mucho que digan que es español) tardó en aparecer casi tres horas. Una de las razones es el tradicional atasco que se monta en Sunset bulevar a la altura del local donde Vanity Fair monta su sarao cada año. Se corta uno de los carriles, coches detenidos para carga y descarga de famosos, un lío.

Otro de los motivos del retraso de Campanella & Cia. fue que en esta edición de los Óscar, por primera vez, los ganadores del galardón podían grabar su nombre en la estatuilla justo al término de la gala. La cola que famosos que se debió de formar en el Kodak tuvo que ser curiosa. Uno no gana un Óscar todos los días y, claro, lo quiere con todos los complementos y lo de que ponga tu nombre debajo no es asunto baladí. Hasta ahora ese proceso tenía lugar los días siguientes a la ceremonia y los vencedores se llevaban a casa una estatuilla anónima.

Después de despachar con la prensa, la gente de “El secreto de sus ojos” se fue de bares. Nada “parties” a lo Hollywood. Los peruanos de “La teta asustada” sí prepararon un festejo a la altura de las circunstancias, aunque la directora y la actriz principal llegaron tan agotadas que no tenían el cuerpo de marcha y se retiraron pronto a descansar. Lo cierto es que los nominados llegan con tal paliza a la noche de los Óscar después de semanas de entrevistas y promociones que cuando termina el evento lo que muchos quieren es dormir y vacaciones.

Penélope Cruz y Javier Bardem (que entró a la ceremonia de los Óscar por la puerta de atrás, no hizo alfombra roja) estuvieron en la fiesta de Madonna y Demi Moore. He oído que algunos lograron entrar sin invitación, incluso con suplantación de personalidad, pero es una información que no puedo confirmar. No me extraña que haya gente que haga lo que sea por meterse de “estrangis” en el juergón de la reina del pop y la teniente O’Neill, aunque no me puedo imaginar el dineral que se dejarían los asistentes en propinas a los camareros por cada copa. Que a nadie se le olvide de que este es el país del “tip”.

“No es de CQC, es Pocholo”

Lo que no sé es a qué fiesta acudiría Pocholo, que estuvo paseando su mochila por Los Ángeles durante los día previos a la gala y con el que coincidí varias veces. Un personaje sin duda, pero más comedido y respetuoso de lo que uno puede deducir por lo que se ve en televisión. Él mismo me reconoció sentirse fuera de lugar, aunque eso no evitó que le preguntase a la gente de “La teta asustada” si se habían comido una “patata cruda” alguna vez o si iban a llevar “tortilla de patatas a la alfombra roja”. Evidentemente no la llevaron, eso lo constato, aunque había que ver la cara de póquer de los periodistas no españoles cuando un tipo de voz ronca, melena rubia y botas de cowboy, sentado en el suelo de la sala de prensa les espetó semejante cosa a las nominadas. “¿Es de CQC?”, me preguntó una compañera latinoamericana. “No, es Pocholo”, le contesté.
“Pocholo, te van a prohibir”, le dije después al figura . “Siempre me prohíben”, me espetó entre risas.

Especialmente decepcionante es la aportación estética de un filme que se prestaba a dar una vuelta de tuerca al Pandora de “Avatar” y maravillarnos con la escenografía, pero el resultado final, aunque bueno, no fue excelente. El 3D se lo podía haber ahorrado. Burton añadió el efecto estereoscópico en postproducción y consiguió insuflar volumen al filme, pero sin que realmente atrape al espectador.

“Alice in Wonderland” se quedó a años luz de “Avatar” en espectacularidad. Los fans de la película de Cameron saldrán desencantados del País de las Maravillas, quizá por eso ya en el guión se decidió bajarle los humos al lugar inventado Lewis Carroll en la segunda mitad del siglo XIX y que quedó recogido en las novelas “Alice’s Adventures in Wonderland” y “Through the Looking-Glass”. Ahora resulta que esa tierra misteriosa se llama ”Underland” o “Mundo Subterráneo” y que lo de “Wonderland” fue simplemente una mala interpretación de su nombre que hizo Alicia. No hay que olvidar que la protagonista era muy pequeña cuando visitó por primera vez esos parajes extraños.

La película es una versión de “Through the Looking-Glass” si bien mezcla elementos de ambas novelas y termina por aventurarse en zonas conocidas que llevan a comparar el proyecto de Burton con propuestas como “Harry Potter”, “The Golden Compass” o “The Chronicles of Narnia”. “Alice in Wonderland”, sin ser un mal producto, adolece de frescura.

La actriz encargada de dar vida a Alicia, Mia Wasikowska, resulta flemática, da igual que le pidan matrimonio que que se enfrente con bestias salvajes, Johnny Depp está en su línea y para su deprimido “Mad Hatter” (Sombrerero loco) tira de recursos que conocidos. Difícil es, no obstante, que genere registros nuevos año tras año después de interpretar a lo más extravagante del celuloide, desde Willy Wonka a Edward Scissorhands pasando, como no, por el capitán Jack Sparrow.

Anne Hathaway resulta pintoresca de rubia platino luciendo unas cejas negras como el carbón. Un “look” chabacano de peluquería barata que choca con su papel de princesa de cuento, la buena además, y que no hace sino acentuar la psicosis que esconde su personaje, tan trastornado en el fondo como la malvada Reina Roja, su hermana de ficción, que interpreta con gran acierto Helena Bonham Carter, a mi juicio lo más entretenido del filme.

“Alice in Wonderland” ha sido adaptada para la pantalla en decenas de ocasiones, la versión de Burton será una más en esa larga lista.

En aquel tiempo las colinas de Hollywood, nombre que tiene su origen en la casa de verano en Florida de la mujer del fundador de la ciudad, Daeida Wilcox, eran una tierra con poca utilidad.

El cartel costó 21.000 dólares y formó parte de una campaña para promocionar el desarrollo inmobiliario de la zona. Pronto simbolizó el espíritu del éxito, la atracción por la fama y la popularidad. Tanto es así que en 1932 se convirtió en protagonista trágico de la muerte de la joven Peg Entwistle, quien en vista de su incapacidad para triunfar en el séptimo arte decidió ahorcarse de lo más alto de la letra “H”.

A pesar del crecimiento de la industria del cine, el cartel perdió lustro con los años hasta que en 1949 la  Cámara de Comercio de Hollywood sometió al icónico letrero a una operación de cirugía estética, la más importante que sufrió este emblema en su historia. Se retiraron los últimos caracteres “LAND” y se reparó la “H”, casi desaparecida.

En los años 70, época de vacas flacas para la zona, el cartel volvió a mostrar síntomas de debilidad y algunas de sus letras como la “D”,  una “O” o una “L” quedaron muy deterioradas.

En 1973 el cartel sirvió incluso para reivindicar la liberalización de la marihuana en California y un grupo de activistas tomaron por su cuenta la zona para alterar el mensaje de “Hollywood” a “Hollyweed”.  La última gran regeneración del cartel ocurrió en 1978 cuando la comunidad de artistas de Los Ángeles se movilizó para conseguir fondos y rescatar elmonumento de la situación en la que se había quedado.

Desde entonces, el cartel tomó la forma con el que se le conoce actualmente, a pesar de que en ocasiones ha vuelto a ser utilizado por diferentes grupos para lanzar diferentes mensajes con más o menos gracia. Siempre, claro está, de forma ilegal, lo que terminó por empujar a las autoridades a que instalaran considerables medidas de seguridad a su alrededor y se prohibiera caminar hasta su base. Algo que, incluso ahora, se puede hacer, si bien solo contradiciendo la norma.

En 1992 fue cubierto por electores del político Ross Perot para ayudarle en sucampaña presidencial, a la postre sin éxito. También se pudo leer “JollyGood”, que viene a ser la expresión “Muy bien”. En otra ocasión sirvió para alentar a los marines con la misiva “Go Navy”, en la que se tapaban algunas de las letras para encajar con el cartel, o de mural para los alumnos del Instituto Tecnológico de California, que no dudaron en convertir “Hollywood” en las siglas de la escuela “Caltech”.

La última alteración, esta vez legal, tuvo lugar esta semana cuando se autorizó a un grupo conservacionista que durante cinco días cambiara “Hollywood” por “Save the Peak”, mensaje con el que intentan atraer la atención de los angelinos para recaudar fondos y comprar los terrenos aledaños al cartel e impedir así que se especule con ellos para construir viviendas de lujo.

Las fotografías han sido tomadas de la web del LA TIMES, así como del portal http://www.hollywoodsign.org. La última fue encontrada a través de twitter (http://tweetphoto.com/11295565)

Desde fuera es difícil de explicar que la película haya quedado tan matrecha a pesar de contar con el guión de David Self (Road to Perdition) y Andrew Kevin Walker (Se7en). Tampoco se le puede echar toda la culpa al director, Joe Johnston,  que pese a no ser Coppola, Spielberg o Scorsese y dejarnos títulos como “Jumanji”, sí ha demostrado que sabe manejarse en terrenos fantásticos y crear tensión y acción trepidante. Johnston de hecho se unió al proyecto a última hora en sustitución de Mark Romanek.

Sea como fuere, “The Wolfman” sufrió diversos retoques, recortes en la historia, reediciones y retrasos en su puesta de largo, tanto es así que algunos críticos de EE.UU. han preferido no entrar a valorar en detalle las actuaciones de los protagonistas porque dejan mucho que desear para tanto nombre. Seguramente las emociones de los personajes se perdieron con el corta-pega.

A estas alturas nadie da un duro por “The Wolfman”, que una vez que arrastre a los cines a los incondicionales del género, se disolverá en la taquilla como un azucarillo en taza de café. Quizá en el DVD tenga más suerte.

La película adolece de conexión emocional. Todos los personajes viven de alguna manera atormentados, aunque uno no llega a sentir pena por ellos. La trama avanza entre penumbras, planos de la luna llena y silencios que tratan de dar forma a un misterio que requiere de poca concentración. Las cosas se ven venir. Los diálogos cargados de topicazos parecen sacados de una película de serie “B”. Únicamente las transformaciones licántropas tienen su aquel, pero vista una, vistas todas. Unos cuantos sustos y una especie de niño “gollum” completan este producto poco recomendable.

Puestos a comparar, “The Wolfman” carece del encanto de los hombres lobos clásicos, tampoco engancha como lo hiciera el “Teen Wolf” de Michael J. Fox, ni tiene el poder de seducción de la versión de Jack Nicholson “Wolf”. Como película de acción queda lejos del resultado de la saga “Underworld”. Los que busquen una historia de amor en plan “bella” y “bestia” o “Dracula” de Bram Stoker, mejor que vayan a ver “Valentine’s Day”.

Vídeo de la presentación de los candidatos para la 82 edición de los premios.

Me aventuro a pronosticar los ganadores de la próxima ceremonia de los Óscar (7 de marzo) a pesar de que aún no se conoce la lista de nominados (se anuncia el día 2 de febrero). No se trata de jugar a las adivinanzas, nada más lejos, sino que tal y como están las cosas todo apunta a que la entrega de las estatuillas llegará bastante mermada de suspense.

No me pararé en detalladas explicaciones, pero a estas alturas no es nada descabellado apostar por “Avatar” como ganador al Óscar de mejor película. Únicamente “The Hurt Locker” y “Up in the Air” podrían, a mi juicio, tener alguna opción, pero lo más probable es que la última de James Cameron emule el éxito de “Titanic”, aunque sin alcanzar sus 11 galardones. En octubre escribí este post sobre filmes con posibilidades a estar nominados, si bien es verdad que ahora mismo las opciones de “The Lovely Bones” o “Amelia” son escasas.

La mejor dirección será casi con toda seguridad para James Cameron, no me creo que la industria no vaya a premiar al cineasta con esta estatuilla después de poner en marcha semejante proyecto como “Avatar”, aunque curiosamente su ex mujer Kathryn Bigelow (The Hurt Locker) podría tener su ocasión. Reducidas son las expectativas de Jason Reitman (Up in the Air) y Quentin Tarantino (Inglourious Basterds). (Añadido el 12 de febrero) Parece que Bigelow gana enteros y, al contrario de lo que pensaba, será la que se lleve el gato al agua. De ser así, Bigelow sería la primera mujer en ganar un Óscar de dirección.

Mejor actor, Jeff Bridges. Nunca se ha llevado el Óscar y se lo va mereciendo. Su “Crazy Heart” ha conquistado a todo el mundo. Su rival, quizá George Clooney (Up in the Air), pero para mí el premio está claro.

En cuanto a la mejor actriz, todo ha quedado reducido a dos nombres: la eterna nominada Meryl Streep (Julie&Julia) y la simpática Sandra Bullock (The Blind Side). Yo me quedo con Streep, aunque he de reconocer que no sería raro que Bullock se impusiera porque su trabajo dramático cuenta con muy buenas críticas este año y sería su primer Óscar. Streep ya lleva dos (aunque tendría que tener más).

Los secundarios están muy definidos: la polifacética Mo’Nique, el femenino (Precious), y Christoph Waltz (Inglorious Basterds), el masculino. Aquí casi da igual a quién nominen a su lado. Parece que hay unanimidad en Hollywood.

Mejor guión original. Me decanto por Quentin Tarantino y sus “Basterds”, aunque quizá la Academia quiera recompensar a “The Hurt Locker”, una gran película que podría irse de vacío de la gala. En tal caso el premio lo recogería Mark Boal.

Mejor guión adaptado. Creo que es cosa de Jason Reitman y Sheldon Turner por “Up in the Air”, aunque no pondría la mano en el fuego. Geoffrey Fletcher (Precious) podría dar la campanada.

Mejor película animada: “Up” ¿hay otras que le hagan sombra?

Mejor banda sonora: “Up”, este premio también parece que se lo lleva de calle.

Mejor canción: “The Weary Kind” de Ryan Bingham y T Bone Burnett por “Crazy Heart”.

Mejor película en lengua no inglesa: “The White Ribbon” (Alemania), o eso parece. Hay quien insiste en “A Prophet” (Francia), pero lo dudo.

La mayoría de las estatuillas técnicas irán para “Avatar”, garantizado, si bien categorías como “maquillaje” o “vestuario” encontrarán acomodo en otras producciones.

Concluyo diciendo que espero equivocarme algo, así la gala tendrá más salsa, pero me temo que el resultado final será bastante aproximado.

Vi Avatar el lunes (14 de diciembre) y aún me dura la conmoción en el momento de escribir este post. La película es espectacular y revolucionaria, un fenómeno audiovisual en sí mismo. Hay quien critica el guión, sin duda lo más mejorable del filme, pero a mi juicio la puesta en escena es tan grandiosa y la acción está tan conseguida que compensa cualquier debilidad argumentativa. Avatar hace que uno disfrute del cine como cuando era un niño. Volvería a verla ahora mismo y eso que dura más de dos horas y media.

Después de Titanic, Terminator y Aliens,  James Cameron regresó con su proyecto más ambicioso respaldado por 300 millones de dólares y en el que empleó más de cuatro años de trabajo en exclusiva, unas cifras colosales incluso para Hollywood. El dinero y el tiempo invertido dan sus resultados en la pantalla.

A priori podría parecer una película para un público aficionado a los efectos especiales, explosiones y la ciencia ficción,  mayoritariamente varón (las estadísticas de venta anticipada de entradas en EEUU indican que el 75 por ciento de los compradores son hombres), pero Avatar es una obra que se estudiará en la historia del cine por lo que es una cita obligada para cualquier aficionado al séptimo arte. Yo fui a verla con mi mujer, nada sospechosa de emocionarse con filmes de este estilo, y salió encantada. Los dos queremos irnos el año que viene de vacaciones a Pandora.

Lo mejor de Avatar es el universo al que traslada al espectador, ese recóndito planeta (Pandora) que tardaron dos años en diseñar y en el que todo está conectado como si fuera un solo organismo vivo. Cameron emplea con maestría toda la tecnología a su alcance (3D, performance capture,  etc.) para guiar a la audiencia en un viaje iniciático por parajes de otra galaxia durante minutos. Gloria bendita que compensa gastar un poco más de dinero para disfrutar del espectáculo en pantalla IMAX.

El detallismo de los personajes azulados, los nativos de Pandora llamados Na’vi, y su interacción sin fisuras con los personajes de carne y hueso es memorable.

Hay que admitir que la trama no es muy exigente. No plantea desafíos argumentales ni giros inesperados que sorprendan a la audiencia, que seguramente ya estará bastante alucinada con todo lo demás.

En líneas básicas, los seres humanos en nuestro afán por explotar los recursos naturales para ganar millones de dólares nos plantamos en el año 2154 con un ejército de mercenarios en Pandora para extraer un mineral muy rentable. Claro, esa idea choca con los principios de respeto al medio ambiente y armonía natural de los Na’vi, una población de aspecto primitivo que vienen a ser una fotocopia de una tribu de sioux o apaches del oeste americano pero de tamaño gigante y color azul cuya lengua local es obra del ligüista de la Universidad del Sur de California (USC) Paul Frommer.

Me ahorraré los detalles, pero no falta el amor y una encarnizada y colosal batalla de armamento desigual en la que “toro sentado” dispara flechas contra unos “terminators”. Dicho esto, me repito. Avatar merece mucho la pena y el guión, a pesar de ser sencillo y definir superficialmente a los personajes, está a la altura de una producción media de ciencia ficción en EEUU y muy por encima de historias como Transformers.

La moralina de que hay que ser buena gente y cuidar el entorno es de agradecer en estos tiempos que corren.

Cameron desentierra una mina de oro con Avatar, película que dejó perplejo al propio Spielberg, según publicaron los medios estadounidenses. Veremos cuánto tarda en recuperar la inversión y en dar rienda suelta a secuelas o precuelas, que en este caso parece tan interesante lo que pasará después como lo que existía antes de la llegada del hombre a ese planeta.

El reparto está encabezdo por Sam Worthington (Terminator Salvation),  Zoë Saldana (Star Trek) y  Sigourney Weaver, que vuelve a trabajar con Cameron pero con un personaje más parecido a la doctora Dian Fosey de Gorillas in the Mist que al de Ellen Ripley en Aliens.

Un consejo para finalizar: id al servicio antes de entrar en la sala para evitar que la vejiga os juege una mala pasada en los últimos minutos de proyección.

Afortunadamente, una vez cada cierto tiempo, uno va al cine y se encuentra con algo como “Up in the Air”, un filme exquisito en su sencillez, capaz de hacer reír y conmover a partes iguales, con una historia sólida y creíble, tierna y cuidada, cargada de esa magia indescriptible que justifica la afición por el séptimo arte. “Up in the Air” es lo que comumente llamaríamos “un peliculón”.

Me quito el sombrero ante Jason Reitman, director de 32 años responsable de la genial “Juno” (2006) por la que fue nominado al Óscar, que en esta ocasión tomó las riendas del proyecto desde su guión, todo un acierto en vista del resultado.

“Up in the Air” es un relato sobre soledad e independencia, sobre amor y decepción, sobre la cruda y hermosa realidad de las relaciones personales y el miedo al compromiso, sobre la realización individual y las falsas expectativas, todo a través de los ojos del empleado de una compañía que se dedica a hacer el trabajo sucio de las empresas que externalizan la tarea de despedir a su plantilla. Ese tipo es George Clooney, posiblemente el Clooney más empático de su carrera, que humaniza el personaje de triunfador seguro de sí mismo que tanto rédito le ha dado hasta la fecha.

El título de la producción habla de la vida en el aire de su protagonista que de tanto volar de un lado para otro por motivos profesionales -lo que le lleva a acumular millones de millas- acaba sintiéndose en casa cuando se sube a un avión, lejos de ataduras y completamente despegado de vínculos emocionales, aparentemente feliz hasta que encuentra la horma de su zapato.

Clooney está bien, al igual que Vera Farmiga, su alma mater en el filme, aunque personalmente me quedo con Anna Kendrick, quien a sus 24 años y tras dos “Twilight” a sus espaldas sobresale en comicidad ingénua. La escena en la que rompe a llorar desconsolada montando un numerito a Clooney a la entrada de un hotel es garantía de carcajada.

“Up in the Air” es una obra actoral sin trascendentes efectos especiales, un producto que a buen seguro tendrá su sitio en los Óscar. Mucho deberán sorprender “Nine”, “Invictus”, “Avatar” o “The Lovely Bones” para imponerse a la cinta de Reitman en la carrera por la estatuilla.