Especialmente decepcionante es la aportación estética de un filme que se prestaba a dar una vuelta de tuerca al Pandora de “Avatar” y maravillarnos con la escenografía, pero el resultado final, aunque bueno, no fue excelente. El 3D se lo podía haber ahorrado. Burton añadió el efecto estereoscópico en postproducción y consiguió insuflar volumen al filme, pero sin que realmente atrape al espectador.

“Alice in Wonderland” se quedó a años luz de “Avatar” en espectacularidad. Los fans de la película de Cameron saldrán desencantados del País de las Maravillas, quizá por eso ya en el guión se decidió bajarle los humos al lugar inventado Lewis Carroll en la segunda mitad del siglo XIX y que quedó recogido en las novelas “Alice’s Adventures in Wonderland” y “Through the Looking-Glass”. Ahora resulta que esa tierra misteriosa se llama ”Underland” o “Mundo Subterráneo” y que lo de “Wonderland” fue simplemente una mala interpretación de su nombre que hizo Alicia. No hay que olvidar que la protagonista era muy pequeña cuando visitó por primera vez esos parajes extraños.

La película es una versión de “Through the Looking-Glass” si bien mezcla elementos de ambas novelas y termina por aventurarse en zonas conocidas que llevan a comparar el proyecto de Burton con propuestas como “Harry Potter”, “The Golden Compass” o “The Chronicles of Narnia”. “Alice in Wonderland”, sin ser un mal producto, adolece de frescura.

La actriz encargada de dar vida a Alicia, Mia Wasikowska, resulta flemática, da igual que le pidan matrimonio que que se enfrente con bestias salvajes, Johnny Depp está en su línea y para su deprimido “Mad Hatter” (Sombrerero loco) tira de recursos que conocidos. Difícil es, no obstante, que genere registros nuevos año tras año después de interpretar a lo más extravagante del celuloide, desde Willy Wonka a Edward Scissorhands pasando, como no, por el capitán Jack Sparrow.

Anne Hathaway resulta pintoresca de rubia platino luciendo unas cejas negras como el carbón. Un “look” chabacano de peluquería barata que choca con su papel de princesa de cuento, la buena además, y que no hace sino acentuar la psicosis que esconde su personaje, tan trastornado en el fondo como la malvada Reina Roja, su hermana de ficción, que interpreta con gran acierto Helena Bonham Carter, a mi juicio lo más entretenido del filme.

“Alice in Wonderland” ha sido adaptada para la pantalla en decenas de ocasiones, la versión de Burton será una más en esa larga lista.

Os dejo con algunos extractos del blog sobre temas de actualidad:

- Salarios… ¿Qué salarios? (3 de febrero)

“El FMI ha recomendado a España, Portugal y Grecia bajar sus salarios para mejorar la competitividad. Si, podéis leerlo mil veces, eso han dicho Dominique Strauss-Kahn y sus colaboradores. La recomendación es, cuanto menos, curiosa. En España el salario mínimo interprofesional se ha situado para 2010 en 633,30 euros brutos mensuales por catorce pagas. [...] Por otra parte, la receta del FMI es llamativa ya que en una economía de mercado el motor es el consumo, si se bajan los salarios el consumo es menor, si el consumo es menor disminuyen las ventas, si disminuyen las ventas empiezan los despidos… y tenemos ya 4 millones de parados.”

- 50.000 millones (3 de febrero)

“A todos nos interesa mantener este sistema de pensiones y la solidaridad es el ingrediente esencial para ello, pero existen algunas otras maneras, menos hirientes para los trabajadores, para ese objetivo. Se les podría haber ocurrido, por ejemplo, que las becas que realizan muchos estudiantes universitarios en sus últimos años de estudios, coticen a la Seguridad Social. Así, probablemente, muchos de los ahora treintañeros tendrían (tendríamos) una vida laboral de al menos 5,6 ó 7 años, en vez de 3 ó 4. Se ganarían más años de cotización y los becarios y gran parte de la sociedad lo agradecería. Los empresarios, eso sí, dejarían de tener esa bicoca de trabajo a bajo coste -o incluso sin coste- que supone tener becarios en la empresa, a muchos hasta les desgrava.

La otra idea que se me ocurre lanzar es que, de una vez, los trabajadores autónomos tengan derecho a un paro digno. La cotización también aumentaría y no haría falta trabajar hasta los 67 años.

Lo ocurrido el pasado viernes en el Consejo de Ministros es la claudicación total de un gobierno socialdemócrata (ja, ja) ante los gurús del neoliberalismo y de la locura financiera; bancos, instituciones multilaterales y agencias de calificación de riesgo.”

-Los ricos no lloran (28 de enero)

“[...] durante los últimos meses de 2009 las marcas más exclusivas del mundo han vuelto a vender a buen ritmo, ya que las clases potentadas de muchos países han vuelto a comprar de manera vigorosa. El inicio de 2010 y la vuelta a los pagos de generosos bonus a las élites financieras han impulsado aún más este consumo de “gama alta”.

Lo que está por ver es si esta estructura es sostenible desde el punto de vista social. Las sociedades y sus opiniones públicas cada vez toleran de peor grado que, mientras el desempleo sube vertiginosamente y las clases medias y trabajadoras pierden poder adquisitivo cada año, muchos de los responsables del descalabro económico, principalmente financiero, no sólo salen indemnes, sino que reciben constamente premios a su “buena gestión”.
El aumento de la brecha de la desigualdad social solo puede augurar un incremento de la conflictividad y una radicalización de las posturas en un panorama de peligrosa incertidumbre.”

- Ni, ni (26 de enero)

“[...] el origen de la generación “ni-ni” no es fortuito. Se trata de niños que vieron como, durante la etapa de bonanza económica, sus hermanos y hermanas mayores, tanto formados como sin formación, nadaron en el océano de la precariedad desde que se incorporaron al mercado de trabajo, encadenando contrato temporal tras contrato temporal. Muchos de ellos, aún cobrando pírricas nóminas de 1.000 euros mensuales o menos, se embarcaron en la aventura “disparatada” de ser propietarios de un piso, cosa muy española por otra parte, que no tiene parangón en ninguno de los países de nuestro entorno.

[...] muchos otros factores que acabaron convirtiendo España en un país al que se le han acabado las letras del abecedario para nombrar leyes de educación (LODE, LOGSE, LOUE…y podríamos seguir) y en el que el papel del profesor, tras el maremágnum normativo, ha sido totalmente vilipendiado y degradado, con remuneraciones vergonzosas y onerosas cargas de trabajo. Un país en el que unos medios de comunicación, principalmente la televisión, obsesionados por el share, fueron desterrando las programaciones infantil y juvenil y sustituyéndolas por sub-productos de entretenimiento.

Un lugar en el que la cultura del mérito y el trabajo ha sido desterrada de todos los territorios de la esfera pública y donde la “fama” y la ilusión del dínero fácil se han convertido en un fin.

Factores como la tele-basura o la corrupción urbanística generan una sensación de impunidad social en la que el que cumple las normas básicas de convivencia, como por ejemplo pagar impuestos, queda como un “pringao”.

Y de estos polvos, vienen estos lodos. Hoy en día en España 562.100 jóvenes son “ni-ni”, un 15% de los jóvenes entre 20 y 30 años.”

Desde fuera es difícil de explicar que la película haya quedado tan matrecha a pesar de contar con el guión de David Self (Road to Perdition) y Andrew Kevin Walker (Se7en). Tampoco se le puede echar toda la culpa al director, Joe Johnston,  que pese a no ser Coppola, Spielberg o Scorsese y dejarnos títulos como “Jumanji”, sí ha demostrado que sabe manejarse en terrenos fantásticos y crear tensión y acción trepidante. Johnston de hecho se unió al proyecto a última hora en sustitución de Mark Romanek.

Sea como fuere, “The Wolfman” sufrió diversos retoques, recortes en la historia, reediciones y retrasos en su puesta de largo, tanto es así que algunos críticos de EE.UU. han preferido no entrar a valorar en detalle las actuaciones de los protagonistas porque dejan mucho que desear para tanto nombre. Seguramente las emociones de los personajes se perdieron con el corta-pega.

A estas alturas nadie da un duro por “The Wolfman”, que una vez que arrastre a los cines a los incondicionales del género, se disolverá en la taquilla como un azucarillo en taza de café. Quizá en el DVD tenga más suerte.

La película adolece de conexión emocional. Todos los personajes viven de alguna manera atormentados, aunque uno no llega a sentir pena por ellos. La trama avanza entre penumbras, planos de la luna llena y silencios que tratan de dar forma a un misterio que requiere de poca concentración. Las cosas se ven venir. Los diálogos cargados de topicazos parecen sacados de una película de serie “B”. Únicamente las transformaciones licántropas tienen su aquel, pero vista una, vistas todas. Unos cuantos sustos y una especie de niño “gollum” completan este producto poco recomendable.

Puestos a comparar, “The Wolfman” carece del encanto de los hombres lobos clásicos, tampoco engancha como lo hiciera el “Teen Wolf” de Michael J. Fox, ni tiene el poder de seducción de la versión de Jack Nicholson “Wolf”. Como película de acción queda lejos del resultado de la saga “Underworld”. Los que busquen una historia de amor en plan “bella” y “bestia” o “Dracula” de Bram Stoker, mejor que vayan a ver “Valentine’s Day”.

Vi Avatar el lunes (14 de diciembre) y aún me dura la conmoción en el momento de escribir este post. La película es espectacular y revolucionaria, un fenómeno audiovisual en sí mismo. Hay quien critica el guión, sin duda lo más mejorable del filme, pero a mi juicio la puesta en escena es tan grandiosa y la acción está tan conseguida que compensa cualquier debilidad argumentativa. Avatar hace que uno disfrute del cine como cuando era un niño. Volvería a verla ahora mismo y eso que dura más de dos horas y media.

Después de Titanic, Terminator y Aliens,  James Cameron regresó con su proyecto más ambicioso respaldado por 300 millones de dólares y en el que empleó más de cuatro años de trabajo en exclusiva, unas cifras colosales incluso para Hollywood. El dinero y el tiempo invertido dan sus resultados en la pantalla.

A priori podría parecer una película para un público aficionado a los efectos especiales, explosiones y la ciencia ficción,  mayoritariamente varón (las estadísticas de venta anticipada de entradas en EEUU indican que el 75 por ciento de los compradores son hombres), pero Avatar es una obra que se estudiará en la historia del cine por lo que es una cita obligada para cualquier aficionado al séptimo arte. Yo fui a verla con mi mujer, nada sospechosa de emocionarse con filmes de este estilo, y salió encantada. Los dos queremos irnos el año que viene de vacaciones a Pandora.

Lo mejor de Avatar es el universo al que traslada al espectador, ese recóndito planeta (Pandora) que tardaron dos años en diseñar y en el que todo está conectado como si fuera un solo organismo vivo. Cameron emplea con maestría toda la tecnología a su alcance (3D, performance capture,  etc.) para guiar a la audiencia en un viaje iniciático por parajes de otra galaxia durante minutos. Gloria bendita que compensa gastar un poco más de dinero para disfrutar del espectáculo en pantalla IMAX.

El detallismo de los personajes azulados, los nativos de Pandora llamados Na’vi, y su interacción sin fisuras con los personajes de carne y hueso es memorable.

Hay que admitir que la trama no es muy exigente. No plantea desafíos argumentales ni giros inesperados que sorprendan a la audiencia, que seguramente ya estará bastante alucinada con todo lo demás.

En líneas básicas, los seres humanos en nuestro afán por explotar los recursos naturales para ganar millones de dólares nos plantamos en el año 2154 con un ejército de mercenarios en Pandora para extraer un mineral muy rentable. Claro, esa idea choca con los principios de respeto al medio ambiente y armonía natural de los Na’vi, una población de aspecto primitivo que vienen a ser una fotocopia de una tribu de sioux o apaches del oeste americano pero de tamaño gigante y color azul cuya lengua local es obra del ligüista de la Universidad del Sur de California (USC) Paul Frommer.

Me ahorraré los detalles, pero no falta el amor y una encarnizada y colosal batalla de armamento desigual en la que “toro sentado” dispara flechas contra unos “terminators”. Dicho esto, me repito. Avatar merece mucho la pena y el guión, a pesar de ser sencillo y definir superficialmente a los personajes, está a la altura de una producción media de ciencia ficción en EEUU y muy por encima de historias como Transformers.

La moralina de que hay que ser buena gente y cuidar el entorno es de agradecer en estos tiempos que corren.

Cameron desentierra una mina de oro con Avatar, película que dejó perplejo al propio Spielberg, según publicaron los medios estadounidenses. Veremos cuánto tarda en recuperar la inversión y en dar rienda suelta a secuelas o precuelas, que en este caso parece tan interesante lo que pasará después como lo que existía antes de la llegada del hombre a ese planeta.

El reparto está encabezdo por Sam Worthington (Terminator Salvation),  Zoë Saldana (Star Trek) y  Sigourney Weaver, que vuelve a trabajar con Cameron pero con un personaje más parecido a la doctora Dian Fosey de Gorillas in the Mist que al de Ellen Ripley en Aliens.

Un consejo para finalizar: id al servicio antes de entrar en la sala para evitar que la vejiga os juege una mala pasada en los últimos minutos de proyección.

District 9 es la mejor película de ciencia ficción desde Matrix. Así, sin medias tintas. Ha habido que esperar una década para que alguien ingeniase un filme fresco, dinámico, lleno de interrogantes y que dibujase una realidad imposible que mantuviese al espectador pegado al asiento tratando de asimilar lo que está viendo.

El hecho de que esté realizada como si por momentos se estuviese viendo un documental es un acierto del director, el novato Neill Blomkamp, quien ha sabido contar una historia de alienígenas con una perspectiva hiperrealista que lleva el típico conflicto entre las diferentes civilizaciones del espacio a un contexto tan terrícola como la xenofobia.

Blomkamp contó con el respaldo del genial Peter Jackson, quien produjo esta película con vocación de clásico del cine.

District 9 sitúa la acción en Johannesburgo (Sudáfrica) 30 años después de que una nave extraterrestre se instalase sobre sus rascacielos, al estilo de series como “V” o filmes como Independence Day. En esta ocasión, sin embargo, ese gigantesco vehículo espacial se quedó inerme, sin respuesta, lo que llevó a los hombres a plantearse abrir una vía de entrada en la estructura. Fue entonces cuando los expedicionarios se toparon con un panorama más propio de un campo de concentración nazi que del que sería de esperar de unos seres capaces de crear semejante tecnología.

A partir de ahí District 9 avanza tomando elementos vistos en otros filmes (que tienen raíces muchas veces en hechos reales) pero que en conjunto conforman un producto único y sólido. Alusiones a producciones sobre genocidios o tráfico de armas en África, historias sobre sustancias infecciosas, metamorfosis como en The Fly, y una traca final de acción suburbana con toques apocalípticos a lo Mad Max que tiene lugar en una ratonera como Black Hawk Down. Todo ello aderezado con armamento futurista entre Robocop y Terminator producido por unos alienígenas bastante repugnantes con forma de gamba gigante e inexplicables pocas luces.

District 9 es toda una experiencia que no defrauda en el guión y, a pesar de las reticencias iniciales, deja momentos memorables para los amantes de efectos especiales.

El peso del relato cae sobre los hombros de un héroe atípico, Wikus Van De Merwe (Sharlto Copley), un hombre feliz e ingenuo que acaba sumido en una pesadilla con pocas expectativas de acabar bien.

La película concluye con muchas preguntas aún en el aire, cuestiones que no desestabilizan el argumento pero que requieren una respuesta clara. Quizá es por eso por lo que el final parece tan abierto, para permitir una segunda parte, aunque hubiese sido de agradecer alguna explicación más sobre la extraña raza de extraterrestres devoradores de comida para gatos,  capaces de atravesar el universo e inútiles a la hora de organizar ni tan siquiera un campamento de verano.

Si te apasiona la saga de The Mummy y disfrutaste con la secuela de Transformers es muy probable que G.I. Joe: The Rise of Cobra sea la película que estabas esperando este verano para matar el gusanillo de acción a raudales y derroche de efectos especiales. Un filme con guión muy poco exigente que presenta de forma oficial en la gran pantalla a los exitosos juguetes de Hasbro, ese cuerpo de soldados de élite de EEUU que combaten día sí y día también al peligroso Cobra y sus esbirros. Una batalla vista en dibujos animados a la que ahora dan vida Dennis Quaid (The Day After Tomorrow) o un cada vez más popular Channing Tatum (Step Up).

El secretismo practicado por Paramount con la prensa para ocultar a los críticos el debut de los “Joes” antes del estreno oficial -para evitar reacciones negativas- carece a la postre de fundamento. Un miedo injustificado a la vista del resultado en taquilla de la denostada por los medios Transformers: Revenge of the Fallen, posiblemente una de las peores historias de los últimos años que sin embargo supera ya los 800 millones de dólares de recaudación en todo el mundo. G.I Joe va dirigida al mismo tipo de público y nace con vocación de saga. A su favor, el guión está algo más elaborado que el de la última de robots; en su contra, los efectos especiales no están tan cuidados como deberían.

G.I. Joe: The Rise of Cobra introduce al espectador en el seno de la organización secreta de militares de élite puesta en marcha por EEUU para combatir en la sombra amenazas globales cuyo potencial pone en evidencia la tecnología de las fuerzas de seguridad convencionales.  Unos cuerpos especiales dirigidos por el General Hawk (Quaid) que reclutan por accidente a un par de aguerridos soldados, Duke (Tatum) y Ripcord (Marlons Wayans), con el objetivo de proteger -primero- y  recuperar -después- una sofisticada arma nanotecnológica capaz de hacer añicos cualquier cosa que se le ponga por delante. El resto de la unidad de Joes protagonistas son la “camuflada” Scarlett (Rachel Nichols) , Heavy Duty (Adewale Akinnuoye-Agbaje), Snake Eyes (Ray Park) y el tecnológico Braker (Saïd Taghmaoui). La sorpresa es un breve cameo de Brandon Fraser, un declarado fanático de los G.I. Joe y amigo del director Stephen Sommers, a quien le pidió que le diera un papelito en la historia mientras estaban grabando la tercera parte de The Mummy.

La guapa Sienna Miller será la cara “dulce” del opaco universo Cobra, que se define según va avanzando el filme -posiblemente lo más interesante de la producción- que termina de forma inquietante; un final que no se sostiene sin una segunda parte.

Los aficionados a la serie de dibujos y aquéllos que jugaron con los muñecos podrían llegar a sentirse defraudados por la superficialidad con la que se tratan algunos de los personajes o el papel que tienen algunos, como el General Hawk, que queda K.O a mitad de película y se limita a arengar a sus pupilos sin verse involucrado directamente en la acción. Tampoco toma decisiones fundamentales. La relación amorosa entrelos personajes de Tatum y Miller que tiene por objeto trasladar el conflicto entre el bien y el mal a un plano emocional resulta en ocasiones fuera de lugar. La historia sí se detiene en los orígenes del misterioso Snake Eyes y su pique con Storm Shadow (Byung Hun Lee), que se remonta a la infancia en una escuela de artes marciales de Japón.

Los efectos especiales, por otra parte, se muestran inconsistentes, con secuencias bastante conseguidas, como la persecución en las calles de  París y la destrucción resultante, aunque suspende a menudo en los pequeños detalles que son los que terminan por definir la calidad de un producto. Llama la atención el acabado de algunas imágenes,  más propio de una estética de videojuego que poco tiene que ver con la resolución alcanzada por Michael Bay en Transformers.

Julie & Julia es una película para chuparse los dedos. Una oda a la cocina de puchero, doméstica, a esa que se huele desde la calle al pasar, la que salpica, mancha y llena todo el plato. El filme está llamado a convertirse en un fenómeno del paladar que traspasará las pantallas como ocurriera con Sideways (Entre copas) en 2004, cuando Hollywood puso de moda la cultura del vino -especialmente de la variedad de uva Pinot Noir- entre los consumidores de palomitas.

La tradición culinaria francesa se convierte en el hilo argumental de esta historia basada en hechos reales que entrecruza la vida de sus dos protagonistas, Julia Child (Meryl Streep) y Julie Powell (Amy Adams), dos mujeres que nunca se conocieron, criadas en épocas distintas, a las que unió su pasión por la cocina.

Tanto Julie como Julia encontraron en la comida su camino hacia la realización personal, ambas apoyadas por sus maridos, ambas sin expectativas de éxito pero las dos con un contagioso entusiasmo y optimismo, que recoge con éxito esta producción llena de buenos valores, algo poco frecuente en las creaciones de la meca del cine.

La trama se mueve en el paralelismo vital de Julie y Julia y toma sus referencias de los libros Julie and Julia de J. Powell y My Life in France de J .Child, que hilvana con acierto moderado la guionista Nora Ephron (When Harry Met Sally, 1989), una fanática del buen comer que también dirigió el filme.

La narración traslada al espectador a una Francia en reconstrucción tras la II Guerra Mundial donde Julia fue a vivir con su marido, un diplomático estadounidense, y desarrollo su talento como chef. Acto seguido el espectador viaja en el tiempo al barrio neoyorquino de Queens, después de los atentados del 11 de septiembre de 2001, donde se muda Julie con su pareja. Allí esta joven a punto de entrar en la treintena, y desencantada con su día a día consolando a las víctimas del ataque terrorista, decide poner en marcha un blog en el que se propone contar sus experiencias preparando las 524 recetas de Mastering the Art of French Cooking en 365 días; el libro que convirtió a Julia en la década de los 60 en una celebridad en EEUU, primero en las librerías y después en la televisión.

Lo que nace como un inocente blog terminará por elevar a la entrañable Julie en una escritora de best sellers que en diciembre de este mismo año (curiosa coincidencia con la aparición del filme) sacará a la venta su segunda obra titulada Cleaving.

Streep vuelve a demostrar por qué es la actriz más nominada a los Óscar y a los Globos de Oro de toda la historia al ponerse en la piel de la risueña y positiva Julia, y deja un convincente trabajo de Amy Adams, que alterna desesperación y dulzura en su recreación de Julie Powell.

Streep y Adams coincidieron ya en 2008 en Doubt que les supuso sendas candidaturas a las estatuillas, algo que podría repetirse con esta producción en la que también destaca la labor de Stanley Tucci como el comprensivo Paul Child. Tucci también compartió pantalla con Streep en The Devil wears Prada (2004).

Si de algo peca Julie & Julia, además de glotonería y exceso de mantequilla, es quizá de metraje al rondar las dos horas de proyección, aunque eso no resta méritos a la película más apetecible de las estrenadas en 2009 hasta la fecha.

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Anexo (12 de agosto 2009): /TE RECOMIENDO QUE NO SIGAS LEYENDO HASTA QUE NO VEAS LA PELÍCULA/

Algunos días tras escribir este post encuentro la respuesta a la única incógnita que me dejó “Julie & Julia”: ¿por qué a la risueña Julia Child no le gustó la idea de su admiradora Julie Powell de hacer un blog siguiendo su recetario?

Pues bien, el diario Los Angeles Times publicó hoy un artículo de una periodista que escribió sobre el blog de Powell cuando aún no era famoso y que se puso en contacto con Child para conocer su opinión. La veterana chef, retirada en 2001, no sabía de aquel proyecto pero tras estudiarlo unos días le comentó a la reportera lo siguiente:

“Bueno, ella no parece muy seria,  ¿verdad? Trabajé muy duro en ese libro. Probé y volví a probar aquellas recetas durante ocho años para que todo el mundo pudiera cocinarlas y mucha, mucha gente lo hizo. No entiendo cómo ella habría tenido problemas con eso. No debe de tener mucho de cocinera”.

Child estaba convencida de que sus libros eran muy fáciles de seguir para el americano medio, aunque en la práctica resultaban menos sencillos de lo que creía.

Lo que de verdad da miedo es ponerse enfermo en EEUU sin tener un seguro sanitario y unos buenos ahorros en el banco para los “extra”. Aquí una temporada en el hospital puede llevarte tanto a la tumba como a la bancarrota.

El plumilla

Sacha Baron Cohen no deja títere con cabeza en “Brüno”, una insultante e irreverente caricatura del mundo del famoseo que traspasa las fronteras de Hollywood y ridiculiza sin mesura a diseñadores, padres deseosos de que su bebé salga en televisión, adopciones de niños africanos (como Madonna), a los gays, a los homófobos, a los problemas en Oriente Medio, el abuso a los inmigrantes y un sinfín más de episodios aislados que en conjunto forman una película que pretende asimilar el éxito de su predecesora, “Borat”.

La interesante apuesta inicial de Cohen (burlarse del famoso) a través del personaje de Brüno, un periodista homosexual austríaco especializado en la moda que está dispuesto a todo por ser una celebridad, termina convirtiéndose en un relato con altibajos, bastante inconexo, y con un más que sobrado contenido sexual tratado de forma soez que hace que uno se pregunte si el filme cruza la línea del género porno.

Sin entrar en detalle en las secuencias diré que la producción es fiel al estilo de la cámara oculta, que aparecen algunos rostros conocidos (especialmente para el público estadounidense), está envuelta la marca de la española Ágatha Ruíz de la Prada y tenía una escena con La Toya Jackson que fue finalmente suprimida después de la muerte de Michael Jackson (a quien Brüno quería llamar para hacerle una entrevista).

“Brüno” es un filme pensado para hacer pensar mientras se pasa un buen rato, pero únicamente el espectador que acuda al cine con intención de no tomar partido y distanciarse de las ofensas conseguirá reírse y disfrutar entre tanta falta de respeto.

El ritmo de la cinta es consistente, se pasa de una historia a otra sin dejar tiempo a digerir lo que acaba de ocurrir. Una concatenación de hechos con más o menos sentido.

El reto final de “Brüno”, al margen evidentemente de ofender a quienes pueda, es batir los 260 millones de dólares logrados por “Borat”, otra obra de Cohen que fue duramente criticada en Kazajistán -de donde se supone que es el protagonista-, pero que fue recibida con los brazos abiertos en EEUU.

Reconozco que en el pase de la película al que acudí la sala estaba llena y hubo muchas carcajadas, aunque al final el público se fue dejando un tibio aplauso (muy común en EEUU aplaudir en el cine). Veremos si el mundo entiende las bromas o se queda con los insultos.

No recomendaría “Public Enemies” a cualquiera, aunque sea una buena película; la primera del año con cierto regusto a Óscar. Le sobran ingredientes para seducir a la crítica: un reconocido y respetado director (Michael Mann), un reparto de lujo (Johnny Depp, Christian Bale y Marion Cotillard), una cuidada banda sonora y un guión con momentos memorables. Sin embargo, el filme sobre la historia del gánster John Dillinger requiere de un espectador paciente que disfrute con la dramatización de las secuencias, planos largos y silencios oportunos. “Public Enemies” es una película de mafiosos pero ni tiene la atmósfera de “The Godfather” ni el ritmo de “The Untouchables”. Es una película de un ladrón de bancos en la que lo de menos son los atracos, que se limitan a unos cuantos minutos de acción sin introducción previa, sin preparativos. Es una película sobre los inicios del FBI, aunque la organización está tan en pañales que no se le puede exigir una de esas investigaciones cinematográficas a las que Hollywood nos tiene acostumbrado.

“Public Enemies” es un relato determinista, pegado a la realidad de unos hechos que ocurrieron entre 1933 y 1934 en EEUU, que acerca a la audiencia al personaje de un Dillinger desafiante y seguro de sí mismo, sin miedo a morir pero que respetaba la vida. Un gánster que se aprovechó de las deficiencias del sistema, las nuevas armas de la época y el abaratamiento de los nuevos automóviles para robar a los bancos que produjeron la crisis financiera de 1929 y sumieron a EEUU en la Gran Depresión; aquélla que tanto recuerda a la situación económica que vivimos en la actualidad.

Que los fans de Mann no esperen un duelo de protagonistas como en “Heat”, ni el suspense de “Collateral” o “The Insider”. Salvando las distancias, el filme tiene un poso más parecido a “Ali”  que a “Miami Vice”. Es una cinta sobre Depp y su capacidad para controlar sus instintos interpretativos y constreñirlos en un moderadamente trastornado Dillinger; posiblemente uno de los personajes más “normales” en la carrera del actor, según él mismo admitió en la presentación de la película.

Depp está bien como “robin hood” del hampa, sin llegar a la excelencia, aunque regala un par de momentos memorables. Su contundente discurso para conquistar a la chica (Cotillard) y un final sin diálogo en el que su mirada lo dice todo.

Bale, sin embargo, decepciona un poco. Los seguidores de las últimas producciones de este actor se quedarán con las ganas de ver al intérprete de Batman y Terminator desarrollando un trabajo que se prestaba a mayores matices y que se queda en un policía aprendiz de Harry “el sucio” sin vida privada, de insensibilidad forzada y difícil identificación por parte del espectador. Posiblemente Bale se limitió a ceñirse al guión de su personaje, pero hubiera sido deseable una mayor inmersión en Melvin Purvis, sobre todo porque su caza de Dillinger acabó empujándole al suicidio (no es un spoiler, el dato está en los libros de historia), algo difícil de justificar por lo que se ve en la película.

Destaca y se agradece la aportación de Cotillard, sin duda el corazón y la candidez amarga del filme. Suya fueron las principales emociones, suya el necesario toque femenino en una cinta con demasiados tipos duros y suya una escena final de esas que gustan a los amantes de los clásicos. A mi juicio Cotillard está de nuevo a una gran altura y no sería de extrañar que su trabajo tuviese el reconocimiento de la industria del cine.

La película se rodó en alta definición y no en cine por expreso deseo de Mann, que quería dar una estética visual contemporánea a la historia para que el espectador sientiese que estaba viviendo una experiencia de los años 30 y no viendo un filme de la época. Los puristas echarán de menos el toque granulado de la película de toda la vida, si bien eso no daña la narración. Los más inquietos podrán sentir que la historia se alarga sin sentido, pero quien pague por ver “Public Enemies” podrá estar tranquilo de que no tirará su dinero a la basura.